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Published 27 April 2026

We are happy to share this conversation between Isabelle Schad and writer Lucie Kocourková about Pieces & Elements in Prague (and much more), which was published last week on https://divadelni.net/

ISABELLE SCHAD: BY BEING CLOSER TO ONE’S OWN SELF, YOU BECOME CLOSER TO THE OTHERS

This year, the Bazaar Festival, international showcase of progressive stage works by theatre and dance innovators who maintain a healthy distance from official culture and are unafraid to take risks, presented the work of the renowned German choreographer Isabelle Schad for the first time. The creation Pieces and Elements was presented as opening performance of the 12th edition, in line with this year’s theme of human and non-human communities through a collective body in motion. We had the opportunity to ask the choreographer a few questions not only about this piece of hers, but also about her broader artistic inspiration—which might inspire you as well.

Lucie Kocourková: The programme says: “A group of dancers creates an organism that can only exist as a whole. The body becomes a site for creating community, in which each element is an integral part of the collective being.” Do you personally perceive society as a single collective organism? What role does individuality (the individual) play within it?

Isabelle Schad: Society is a complex system where power and control unfortunately play as much of a role as our desire for democratic rights, values and mutual respect, for which we constantly need to re-organize ourselves or fight for. With my trilogy on collective or group bodies, I have been developing scores and materials inspired by utopian ideas of a potential society – around how we could possibly function together as a whole, in which every part relates to every other one, every limb to the next one, as if each part of the body would be a performer. In Pieces and Elements, I took inspiration from nature, from the 5 elements (being water, wood, fire, earth, metal) that create an infinite cycle of reproduction and nourishment.

LK: Pieces and Elements (2016) are the middle part of the trilogy. The first one, Collective Jumps (2014), explored the body as a site for creating community. What theme did the third part explore?

IS: The trilogy has been finished in 2019. The last part, called Reflection, has been made for a theatre with a turning stage. I am dealing with the forces of the stage apparatus as a way of a bigger force that is (also in society) controlling us. It is lot more about the protagonist, the hero or victim that can be each of us within a group or a larger whole…

LK: Why did you begin to explore the phenomenon of collective bodies?

IS: I simply love working with groups. When I share my practices based on body work, somatics and the martial arts Aikido, people start to connect without losing themselves. They strengthen each other by strengthening themselves: by being closer to one’s own self, you become close to your neighbour, to one another and you start to be more present and active in the world as well.

LK: If we look at the topic through the lens of the present, many “organisms” within the society are in motion today. The individual is part of a larger body; thus, to a certain extent, they are controlled by it, flowing with the current because they are dependent on it – and if they leave it, they perish. The artist-creator, on the other hand, is someone who creates and expresses themselves primarily as an individual. How do you seek and define your position within the collective body?

IS: The work starts with the self – with one-self. Every single one of us needs to find at first a way to get calm, with a quiet mind and present; it is by being with an empty mind that you are able to perceive yourself as a whole and in the whole (space), and from there actions – as much as movements – express themselves in a clear and decisive way. It is so much more political – being in such a practice – than anyone not starting from such a point of departure could believe.
Maybe it is a holistic approach (more related to eastern practices such as Tibetan monk than to the individualized western ones), but it is the one that strengthens us as a group as well as every single one of us being part of this group.

LK: You already mentioned the 5 elements, which the programme also referred to: how do they manifest in movement? What drew you to these principles of elements?

IS: I have been studying Shiatsu at the time, which is a Japanese massage technic that follows principles of TCM (Traditional Chinese Medicine) such as the 5 elements, where one element nourishes the next one: water gives growth to plants (wood), they are the food for fire, burning the wood transforms to earth, earth contains minerals (metal) which become particles in the water and then it starts again. Those 5 elements also relate to 5 seasons (winter, spring, summer, late-summer, autumn and winter again), to ages (birth, young age, adolescence, grown up, old, wise old to die… and it starts again) or to organs and meridians. Basically, it is at the same time a complex and simple system. You really need to study, and of course experience it, and it is a system of transformation. I found it fascinating – it is now 10 years ago (already!) that I have been creating this piece in relation to that approach and practice!!!
It has been not at all a symbolic approach but on the contrary, a very concrete one: we have been studying the meridian stretches that are all finding themselves – in one way or another – inside the choreography, the corresponding Qi-Gong exercises, the qualities related to the different organs, seasons etc… It is a bit long to explain by interview… It’s the process of practicing, training and building choreography from there!

LK: What do the Asian movement techniques and practices offer you, or the Western person in general?

IS: I think I have answered the question already in my answers before, but maybe I could add this: Asian practices such as Shiatsu and Aikido have something in common which is much less about a specific intention. They are done daily and stand for themselves. It is not that you don’t want anything, but you do not want to force on something specific to be achieved. You believe in its worth as such and that doing them on a daily basis offers that certain pathway – the aiki-DO, and ‘DO’ means pathway – that you agree to go along. It is not about quick achievements, but on things you do regularly and in a certain stoic way…

LK: What specifically can they offer a practitioner of the performing arts or a choreographer?

IS: I think those practices offer us clarity and a calm and quiet mind that makes us able to perceive ourselves as a whole within the whole.

LK: In post-dramatic (dance) theatre, ambiguity is normal, even desirable. As the author, do you have a preference for how you want your work to be “read,” or do you prefer that viewers form their own associations and interpretations? If the topic has a societal or social impact, perhaps you’re looking for a specific reading?

IS: No. No. I am interested in making everyone be part of a journey and of this perception of the whole, so that ideally your own stories, your own life or experiences are reflected, are mirrored or passing through, by, along… I would like people to relax with us, to enjoy, to dream, to get lost or anything else that happens to them…

LK: A colleague of mine described the experience in one part of her review as meditative. Does that align with your intention?

IS: Yes, this can be one notion…

LK: I learned that you originally studied classical dance. You began your career as a professional dancer: did it fulfil or disappoint you?

IS: It fulfilled me till I wanted to change… But it is still part of me, too.

LK: Why did you choose the path of contemporary dance then? I don’t think that’s typical if one is trained in classical dance. It usually is a long way to even accept the contemporary language as real dance and a huge path to find pleasure and meaning in it.

IS: I have had a long transformation process, a bit too long to explain here, but basically, I have refused to copy or reproduce ways to move as… like styles… but instead I have searched for ways to move with or move from. To find the origins of movement from within ourselves I understood from the moment I have studied Body-Mind Centering. Moving from your cells, your body systems such as organs, bones or your skin, has been completely different to copying a form. It is about what “in-forms” a form.

LK: How do you think classical technique manifests itself in your work? Personally, I’m convinced that it’s a language the body never forgets – even if one wants to – because it has been internalized as one’s own.

IS: It is the urge to create logic lines and diagonals, logic forces through your body, which create a universal sense of beauty.

LK: Your works oscillate between dance and visual art, between performance and installation. Where did the influence of visual art on your work come from?

IS: Working with Laurent Goldring, visual artist based in Paris has been a strong impact on me and my – or also our common – collaborative work. It started roughly in 2008 or 9 with a solo entitled Unturtled. We have worked with a body covered up in oversized clothes as a means to amplify, rather than hide, what’s inside this body: fluids, ligaments, bones and other systems of the body I have mentioned earlier on.

LK: So, you consciously draw inspiration from visual art?

IS: Yes, I do.

LK: Do you have any ties to the Czech dance scene?

IS: No, but now yes, and I am very proud and happy about having been presenting my work here. Ewan has seen my performance installation Nudity and Landscape in Ljubljana last November and we have been in touch since then.
Now I just remembered that I have made this piece The Burrow in collaboration with Laurent Goldring. It is a solo we have created together in 2012 as a prolongation to our first collaboration Unturtled, and it has been inspired by Kafka’s short story The Burrow (Der Bau), where an animal’s burrow is described as a metaphor, a space deriving from the body itself, yet still belonging to it – bearing the form, traces, odours, wastes and reserves, hope and despairs… – and it seemed a good basis for further explorations of conceiving this new relationship between body and space… I found it funny, as Prag is the “city of Kafka”.

LK: If I’m not mistaken, you’re the co-founder of Tanzhalle Wiesenburg. I’d be interested to know how dance venues in Germany are faring these days. How broad is their audience base, and what’s the situation with funding…

IS: The funding situation is terrible right now, but what helps us continue is self-organization, solidarity and continuity. Luckily, we (as a group around Tanzhalle Wiesenburg) are still receiving funding, and as a choreographer I am also lucky enough to be part of the funding system. But cuts are being made and it concerns and hits all of us, in one way or another, we feel it. And we go on the streets, stick together like a big rubber band – of solidarity. And that’s really strong and beautiful.

LK: Thank you for this hopeful conclusion and for being part of the festival.

Published 24 April 2026

Published 3 December 2024

Wo stehen wir?
Statement und Reflexionen zu den drohenden Kürzungen im Berliner Kulturhaushalt

 In diesem Moment, in dem ich versuche, einige Gedanken über das Wesen, die Sinnhaftigkeit und Bedeutsamkeit unserer Tätigkeiten im Bereich des Tanzes zu Papier zu bringen, läuft im Deutschlandfunk ein Interview zum Wahlkampf. Es ist die Rede davon, dass nicht nur die Höherverdienenden den entscheidenden Wirtschaftsfaktor darstellen, sondern es auch auf andere Einkommensgruppen ankomme. Davon, dass soziale Themen im Vordergrund stehen. Dass Pflegekräfte, Erzieher*innen, Lehrer*innen besser verdienen müssen und gebraucht sind, um wirtschaftliche Stärke wiederzuerlangen. Es geht um die Sicherheit nach Außen. Und (!) es geht um gesellschaftlichen Zusammenhalt!

Wo aber, und diese Frage stelle ich mir als Choreografin, steht hier die Kultur, und darin eingeschlossen, der Tanz?

Kein Wort, kein Aspekt, kein Nebensatz, wenn es um den Erhalt der vielen Arbeitskräfte in diesem Bereich geht. Wie kann das sein? Ich vermisse die Wertschätzung, ja, ein Bewusstsein für das Wesen und die Bedeutung unserer Arbeit. Dafür, dass (vielleicht gerade) unsere Arbeitsplätze nicht nur aus sozialen Aspekten schützenswert sind. Dafür, dass unsere Arbeit in, durch und als Bewegung GRUNDLEGEND für soziales Miteinander, für Solidarität, für Demokratie und Vielfalt – für gesellschaftlichen Zusammenhalt – ist.

Warum begegnet man uns mit solcher Ignoranz? Wie kann es sein, dass weder der wirtschaftliche noch der soziale Einfluss, den Kultur auf das Gesamtgebilde Berlin hat – sei es durch Tourist*innen oder Künstler*innen, die aus aller Welt in diese Stadt kommen, gerade wegen ihrer kulturellen Vielfalt – dieser Tage so wenig gesehen werden?

Ganz besonders zeigt sich mir diese Ignoranz in Form von Zahlen. Die ohnehin schon fragilen Strukturen der Berliner Kulturszene werden durch die angekündigten Sparmaßnahmen allein im kommenden Jahr massiv weiter geschwächt: Erschütternde Kürzungen in historischer Höhe von 13 % im Kulturbereich treffen dabei “eine Sparte wie den Tanz, dem ohnehin die Strukturen fehlen und der mit dem Runden Tisch Tanz 2018 einen nachhaltigen Entwicklungsplan aufgestellt hatte, um diese Fehlstellen zu füllen, […] in besonderem Maße. Die Perspektive […] einer langfristig substanziellen Stärkung […] scheint ad acta gelegt.“ (Statement Netzwerk TanzRaumBerlin, 20.11.2024[1])

Im letzten Herbst hat Kultursenator Joe Chialo in Gesprächen bekräftigt, dass Tanz auf der Agenda 2024 stehen solle. Bei der Demonstration des Bündnisses #BerlinIstKultur am 13.11.2024 am Brandenburger Tor bot er der Kulturszene weiterhin seine Unterstützung an, indem er für sie kämpfen werde. Aber so absurd es auch erscheinen mag, das Gegenteil passiert: Es werden keine neuen Maßnahmen zur Stärkung geschaffen, sondern vielmehr werden die bestehenden abgeschafft.  Und es ist wie in einem dystopischen Albtraum, zu sehen, dass eine tragende Säule wie das Tanzbüro Berlin, das seit 20 Jahren einen grundlegenden Bezugspunkt für die gesamte Tanzszene (insbesondere die freie Szene) darstellt, auf der schwarzen Liste der Institutionen steht, die ohne Vorwarnung ab Januar abgewickelt werden sollen!

Dasselbe Schicksal trifft viele Projekte und Organisationen, die aktiv sind und Pionierarbeit geleistet haben in den z.T, längst überfälligen Bereichen Diversität, Inklusion, Teilhabe und kulturelle Bildung, wie etwa Diversity Arts Culture und Berlin Mondiale.
Statt diese Themen weiter voranzutreiben, die Menschen und Institutionen in ihrer Arbeit zu bestärken und anzuerkennen, wird hier „nicht nur Diversität von der Berliner Verwaltung mit dem sprichwörtlichen Rasenmäher plattgemacht, sondern auch eine konservative Kulturpolitik vorangetrieben, die scheinbar eine plurale Gesellschaft ablehnt“[2]. Und das macht Angst.

Warum? – hypothetische Gedanken

Es ist ein Problem aufgetaucht, und dieses Problem kreist um die Fragen der Artikulation, die von uns Tanzschaffenden seit langem akribisch betrieben wird. Und dennoch bleibt hier scheinbar eine Lücke. Es geht um die Artikulation einer fragilen Arbeit, die auf Erfahrung und Erkenntnissen beruht, und die – scheinbar – schwer vermittelbar ist für Menschen, die diese Erfahrungen vielleicht zwar schon gemacht, ihrem Wert und ihrer Bedeutung aber keine Aufmerksamkeit geschenkt haben, weil sie sich dessen nicht bewusst sind.

Und es ist eben diese Aufmerksamkeit, diese Achtung des Mensch-Seins, des Menschlich-Seins, die unsere Arbeit ausmacht, sei es die somatische Tanzpraxis, die holistische Herangehensweise in der Körperarbeit, sei es die heilende ‘Dienstleistung’, die in einer Cranio-sacral oder Shiatsubehandlung erbracht wird, sei es ein kontinuierliches Training in zeitgenössischem Tanz, in Urban Dance oder Aikido, sei es die Entwicklung von Tanzstücken für Kinder und Jugendlichen oder von Performances, die von Menschen mit Behinderung kreiert werden – so berührend wie ich es neulich beim No-Limit Festival in einer Performance von Claire Cunningham bezeugen konnte – bei der die Unmittelbarkeit in der Erfahrung von Emotionen, politischen Inhalten und ja: Schwingungen! im Theaterraum eine so große Verbindung zwischen allen anwesenden Menschen hergestellt hat, dass man die Hypothese aufstellen könnte, dass hier Sinn und Sinnhaftigkeit unseres Zusammen-Seins beginnt und einen Gegenpol zu (Wahl-)Kampf, Ausgrenzung und Angst entsteht.

Wenn hier im Anschluss Reden gehalten werden, geht es um menschliche Werte, um ein Bewusstsein für (Gleich)Wertigkeit, Empathie und sie beinhalten starkes politisches Engagement, das tief in der täglichen Praxis verankert ist: Change happens quickly – but healing takes time!!!

Was ist das, das wir im sogenannten „Kleinen“ machen, diese tägliche Praxis, die einen Geist des Ungeborenen fördert, entgegen eines streitenden Geistes, entgegen einer Gesinnung der Angst und des Vergleich(en)s?

In unserer Arbeit geht es gerade darum, das Unbeschreibbare erfahrbar zu machen, um die Unmittelbarkeit im sich selbst spüren – und das ist keine zweifelhafte Esoterik, sondern ganz real ein Zustand, in dem wir den teilhabenden Menschen erlauben, das Gedankenkreisen zu unterbrechen, um ganz und voll bei sich selbst und im Spüren anzukommen. Um von dort aus die Welt als etwas, das sich in der eigenen Wahrnehmung widerspiegelt zu erfassen – als etwas, das einerseits vollkommen sein kein, wie auch das Leben selbst – andererseits als etwas, das alle Realitäten und von uns Menschen gemachten Schwierigkeiten, alle Krisen und Herausforderungen mit sich bringt.

Um diesen Herausforderungen begegnen zu können – ohne dass wir (Mit-)einander vergessen – braucht es uns. Miteinander bzw. gemeinsam ist ein Wort, das in vielen Sätzen politischer Entscheidungsträger*innen Einzug findet, aber de facto braucht es mehr für ein wirkliches Miteinander, mehr als nur Worte. Es braucht die Arbeit im täglichen Training, im „Kleinen“, um das Große mitzubestimmen. Es braucht ein Bewusstsein dafür, dass jede echte Begegnung zählt, dass sie bedeutsam ist und das Ganze mitbestimmt. Es braucht Kontinuität darin, Pertinenz. Und nur das bedeutet Resilienz.

Als kleines Fallbeispiel möchte ich nur kurz und knapp umreißen, was das im Einzelfall bedeuten kann. Mit einem unglaublich tollen Team an Tänzer-/Künstler*innen bin ich trotz vierjähriger Konzeptförderung gezwungen, für meine Gruppenstücke in kleinen Teilgrüppchen zu arbeiten, solange, bis ich schließlich die letzten beiden Wochen vor der Premiere mit allen zusammen proben kann, um dann im Theater vor vollem Haus vier Mal zu spielen. Wenn die Mindesthonorare eingehalten werden sollen, reicht das zur Verfügung gestellte Budget nicht aus, um einen gemeinsamen Prozess zu durchlaufen. Wir müssen Opfer bringen, flexibel sein, Konditionen akzeptieren, die allen Beteiligten Ungeheures abverlangt (kurz: einem neo-liberalen Leistungssystem entsprechen, das uns auf Dauer kaputt macht). Ich habe mit dem Team der Tänzer*innen ein mobiles Ensemble gegründet. Wir haben uns für das Arbeitsstipendium Tanzpraxis als ein Ensemble beworben. Der Antrag wurde bewilligt, und nun gibt es für uns mehr Kontinuität – ja, das ist wunderbar. Aber Vorsicht: es gibt 1.000€ pro Person insgesamt verteilt auf 18 Monate.

Vielleicht kann diese Situation, die beispielhaft für viele andere in Berlin steht, veranschaulichen, dass hier nichts ist, dass man kürzen kann. Hier gibt es kein Übermaß, keine Verschwendung, keinen Reichtum. Trotz Exzellenz gibt es Existenznöte und Prekarität. Hier zu kürzen bedeutet Ignoranz und Missachtung unserer Arbeit, der Verhältnisse, in denen wir sie verrichten und nicht zuletzt der Menschen und Biografien dahinter!

Und es gilt zu berücksichtigen: Es sind nicht die großen tagespolitischen Themen, die mehr oder weniger plakativ bzw. repräsentativ abgearbeitet werden müssen, sondern es geht um das Insistieren in einer Praxis des täglichen Tuns, die Zusammengehörigkeit und Zu-/Los-/Einlassen ermöglicht, einer Praxis, in der mankind (Menschheit) wieder kind man (freundliche Menschen) werden kann – als Voraussetzung für einen echten gesellschaftlichen Zusammenhalt – der mehr darstellt als ein Schild vor der Tür.

Und deshalb fordern wir, dass unsere Arbeit, dass jahrelang aufgebaute Strukturen anerkannt, gewürdigt und mit allen zur Verfügung stehenden Mitteln gerettet werden.

Wir fordern eine transparente, demokratische Entscheidungsfindung mit Kulturverwaltung und Kulturschaffenden an einem Tisch.

Wir fordern langfristige Planungsmöglichkeiten. Wir fordern Sicherheit. Und Sicherheit kann es nur geben in einem solidarischen, verantwortungsvollen, Demokratie erhaltenden Miteinander.

Isabelle Schad, Berlin, den 03.12.2024

[1] tanzraumberlin.de/strukturelle demontage der berliner kunst und kulturlandschaft

[2] Instagram Post HAU Hebbel am Ufer vom 22.11.2024