First aid is an action of response – it is direct. Its purpose is to counteract the harm a body has encountered. Giving first aid is a position on one’s ability to help, as it is the ability to identify, take care and responsibility for somebody’s pain. Part of delivering first aid is to disarm the body for the person who is hurting, so as to create an environment enabling this individual to disappear within the administration of first aid. First aid can then be seen as saving a person but also taking close to absolute control on the body.

Another case of an existing oppositional dialectic is the dilemma of neutrality. For example: the white neutral room is to all intensive purposes a construction of a dominant mind-set. The white neutral room has been invented for how one is asked to perceive neutrality as the dominant vision where differences, it can be asserted, can disappear. Both of these examples are flawed.

White Trash brings together the association of the above flaws by taking them into the work. Dealing with the above oppositions i.e., disappearance, vision and neutrality and one’s ability to deliver care is to take part within these constructions and yet acknowledge the participation within these existing dominant mind-sets. But not all minds, not all carer’s and certainly not all bodies come to be fielded within this dominant construct. white trash gambles with these dialectics within a white space. This space, a container, sucks and absorbs hides and deletes other histories, other realities through its pretence for neutrality.

performance aspects

One aspect of the work is to take direct action of the above dominant modes of thought and action into the performance event. Part of the performance is an action of wrapping the body which participates to both the first aid on the body and its disappearance. Through creating casts on parts of the body the performance addresses the care of oneself that which is a universal body experience. This experience comes in the form of a slow and gradual transformation of two bodies assimilating into the white environment.

Taking care and covering wounds is the first action towards stepping outside of oneself towards taking care for others. Two people, who are not the same as each other, begin through care of the self to create the opportunity of vanishing to join what the dominant mind-set hides. Disappearing within the constructed white environment opens the opportunity to delve behind that environment and address what it covers.

The aim of this work then is to collectively position the spectator into different fields of separation and connection – between hearing and seeing, between visual recognition and appearance, between conflict of performance expectation and performance experiencing, between gaining a hold on the work and getting something from it, between consuming it and dismissing it, between being filled by it and emptied by it. The work is not about telling the audience something, anything or discharging value but does seek to find other ways in how the above senses can be stimulated and finally reassembled during the performance as part of a collective audience experience.

Incorporating basics constructs such as care separation and expectation are enacted. Through the fragility and allegory of paper the performers wrap and discard themselves ‘out of appearance’. The point to come too is the erasure of expectancy.

Im Hamburger Sprechwerk bei der Sommerschule DanceKiosk Hamburg stellte ihre Arbeit in beeindruckender Konsequenz ein Lehrstück dar über die Zerlegung von Sinnlichkeit und die selektive Reizung der Wahrnehmung. Und darüber, wie deren erneute Verdichtung sinnige wie unsinnige, in jedem Fall irritierende Einsichten in Ausschnitte von sozialem Leben kreiert, unheimlich und befremdlich, wie unter dem Mikroskop betrachtet.

Am Rand türmen sich Rollen von weißem Klopapier, Teile ihrer Körper beginnen die Darsteller darin einzuwickeln. Sie umhüllt ihr Bein, er sogar den Kopf, bis ein gigantischer Turban auf seinen Schultern thront. Seltsam beschädigt sehen die beiden aus. Als sei ihr Körper eine offene Wunde, die gegen außen geschützt werden muss.

Doch je mehr man sich auch abschirmt, desto lauter werden die inneren Geräusche, der Atem, das Knistern des Papiers, das Knarzen der Stühle, auf denen sie sitzen, die verstärkt aus den Lautsprechern dringen. Und dann herrscht Totenstille, das Licht verdunkelt sich und über die Rückwand läuft ein Film, streift eine Kamera durch Räume, die an Labore oder Büroräume erinnern.

Nüchtern betrachtet reduzieren die Berlinerin Schad und der Kanadier Lachambre, zwei versierte und erfahrene Performer, ihre Inszenierung auf eine Begegnung zweier Individuen im Spannungsfeld des sozialen Mikrokosmos einer Tanzbühne. Mit dem Ziel, eine Art Nullpunkt anzupeilen, an dem ihre Absichten sich verwischen, die Erwartungen sich neu ordnen. Letztlich ist es ein Selbstversuch, mit dem der zeitgenössische Tanz seine Strategien von Kommunikation immer wieder gern erprobt, in Frage stellt und weiterentwickelt. Ihr praktizierter Reizentzug stellte die Zuschauer auf eine Geduldsprobe.

Doch irgendwann entfaltet diese Reise durch innere Denk- und Sinnesräume einen tranceartigen Sog, dem man sich kaum mehr entziehen kann.

Marga Wolff

taz Hamburg Nr. 7718 vom 18.7.2005, Seite 22, 89 Kommentar Marga Wolff, Rezension

Aftershow

Printemps de septembre à Toulouse, du 24 septembre au 17 octobre

Si, comme l’a clamé Philippe Soupault, «toutes les saisons sont cruelles», le Printemps de septembre se montre plutôt tendre à l’égard des Toulousains, qui, durant près d’un mois, se voient offrir une belle brassée d’expositions et de gâteries scéniques. Printemps tardif ou pas, qui dit gâterie ne dit pas forcément régalade… Voilà une triste évidence que ne contesteront pas ceux sur lesquels Ed Kuepper a déversé son (abo)minable brouet sonore, sur fond d’images souvent ineptes, ou ceux qu’aura sévèrement barbé le récital mou du scalp des squaws de Coco Rosie. Pour aider à digérer tout ça, rien de tel que le blip-hop foutraque du toujours intenable Jamie Lidell, performer hors pair qui se mue, au choix, en human beatbox détraquée ou en crooner déjeté tandis que son compère Pablo Fiasco (sic) bidouille un vidéo-mix ad hoc. Dans un registre beaucoup plus calme, Transat, l’ingénieuse installation sonore de Boris Billier proposant à chaque visiteur, étendu dans un transat et muni d’un casque et de lunettes opaques, d’écouter une courte pièce de musique contemporaine (composée par Billier) ménageait une parfaite plage de régénération. De son côté, nlf3 a, le temps d’un ciné-concert splendide, fait forte impression : au moyen d’un score aussi fluide que nuancé, ce groupe français (trop) peu connu réussit la prouesse de rehausser encore l’éclat du Que viva Mexico! d’Eisenstein. D’une ampleur moindre, En privé à Babylone, première mise en scène de la danseuse Hélène Iratchet a néanmoins séduit par sa maladresse même et par sa fidélité à l’esprit du plus japonais des écrivains américains, le zenial Richard Brautigan. Finissons par l’éloge de Benoît Lachambre et Isabelle Schad, chorégraphes et interprètes de White trash, fascinante œuvre au blanc dont l’irréductible étrangeté procède de la rencontre rêvée entre burlesque minimal et lenteur maximale : quelle neige ne fondrait devant pareil spectacle?
Jérôme Provençal / Les Inrrockuptibles