Der Begriff der Fuge (lat. fuga bezieht sich auf fugere ‘fliehen’ und fugare ‘jagen’) vereinigt zwei antagonistische Prinzipien in einer einzigen Organisationsform. Er dient ihr als Analogie für den Körper in Formen des Trainierens, in denen Prinzipien von Jagen und Fliehen, Geben und Empfangen, Leere und Fülle eins werden, sowohl im Körper, als auch in der Bewegung, wie im Geist und im Selbst.

Schad beginnt zu erzählen und zu zeigen. Nach und nach wird das Stück zur Fuge, zur Form innerhalb der Form, in der sich Fuge in Fuge fügt. Schad nutzt die Kompositionsprinzipien der Wiederholung und Zeitverschiebung und lotet die Vielfalt und Gleichzeitigkeit der Rhythmen, Linien, Stimmen in ein und demselben Körper aus. Schad, die sich seit Jahren mit dem bildenden Künstler Laurent Goldring austauscht, geht nun weiter mit ihren Fragen um die Sichtbarkeit nicht-repräsentativer Bewegungen: Wie kann das Üben selbst zum Bild werden? Wie kann Energie zum Bild werden?

Fugen ist eine autobiographische Arbeit, in welcher der Körper exemplarisch die Konstruktion des Individuums als Teil von Systemen, Erziehung und Disziplinen aufzeigt.

English Version:

With Fugues, Berlin choreographer and dancer Isabelle Schad continues her work between musical concepts and their expression in movement. Coming from a music background and a lifelong interest in the polyphonic work of J.S. Bach, she attempts to look at her own (hi)story and the origins of (her) movement between discipline and pleasure, examining the body and its energies in its materiality, process, and time.

The term fugue (Latin fuga, related to fugere ‘to flee’ and fugare ‘to chase’) unites two antagonistic principles in one and the same notion, and thus serves her as an analogy for the body in exercise, where the principles of chasing and fleeing, giving and receiving, emptiness and fullness are becoming one; to be as much body as to be movement, as spirit, as self.

Schad starts by telling and showing. The piece becomes its own fugue: a form within a form. Playing with its respective compositional elements such as repetition and time delay, the work investigates the multiple rhythms, lines/lives and voices within one single body. Having for many years been in exchange with visual artist Laurent Goldring, her main questions around non-representational movements and visibility continue: how could the very notion of exercising become image? How could energy itself become image?

Fugues is an autobiographical work in which the performer’s body serves as an example for the construction of the individual within disciplines and systems one cannot escape from.

In Fugen the usage of main principles of polyphony provides grounds for a deeper investigation of a performer’s presence in contemporary theatre discourse. On the stage, it is always now , great American playwright Thornton Wilder said. But for whom? Schad starts her performance quoting her earlier choreographic work. Soon enough we dwell in her childhood memories, phantasms and phantasmagorias. Following Schad’s personal trajectory linked to the study in musical harmony, the questions about the future of dance in its different frames, formats and ways of perceiving arise. Isabelle Schad is staging a paradox: she assumes that it is within the power of human nature to enter Now and become entirely present with oneself, at the same time showing that there is no Self that is not already infiltrated because of different traces of discipline, social codes, personal histories and phantasms. Thus, there are two persons on stage: the one accessible to us, opening herself to the inside of the moment, and the other who is distant and framed by the outside of the (musical, theatrical) interval.

The piece provides strictly organised and framed space that unlocks the expectation of organised meaning. At a certain level, such framing could be understood as a pattern or phrase in the making of visual art or music. For instance, the framing is evident in the replicative details of stage design: the empty frame box has been replicated in an empty frame of the table and then replicated in the frame of a backdrop. The performer strains to create a certain narrative or its simulacrum, but over chasm of framed and, thus, modified connections. In Fugen many forms of frames can be seen as a central token of the construction of presence, and not only on stage, but also in the world where different systems, codes and disciplines have already shaped the inevitable desire (to perform).

The main principles of fugue are examined through the use of polyphony/dichotomy: within the dancer’s body, between her body and her voice and voices of other artists involved, presented and quoted in the work. As the formal elements of polyphony caught in the notion of chasing and fleeing, dancer’s voice and body intertwine in the creation of the performance language and at the same time struggle for symbolic mastery between speech and dance in the work of theatre. Polyphonic work of the body is exposed in the use of prosthesis. A light wooden bamboo stick, with which the dancer dances, serves as a sophisticated device for creating distance: we are moving further away from the body and at the same time the stick is helping us observe the work of a dancer more clearly and see how exactly her body operates.

Fugen is a complex work that puts in question several procedures, artistic questions and researches. While communicating the personal history and experience of being a dancer, the work stages an in- depth exploration of the contrapuntal possibilities inherent to a single performing individual, posing a paradox and formalistic question: Is the actual making of art essentially a matter of notation?

Sasa Bozic

Fugen
Vendredi 27 Novembre, à l’Espace Pier Paolo Pasolini
SavinaTopurska

Peut-être que vous pensez que le danse n’est qu’ harmonie et poésie. Moi j’ai pensé comme ça.
C’ est vrai, ça peut être ça.

Mais c’est pas toujours le cas.

Je peux dire que la danse aujourd’hui c’est tout simplement un mouvement.
On peut dire que chaque fois que l’on bouge on fait de la danse, ça c’est poétique.
J’ai vu le spectacle d’Isabelle Schad – FUGEN et là il y avait plus que du mouvement et de la musique.

Ce n’était pas juste le corps de la danseuse qui se déplaçait sur la scène, nous aussi, le public on a bougé. On n’était plus là où on pensait être. En plus, là ou on était, n’était pas aujourd’hui.
On a traversé la vie, telle qu’elle était racontée pas la danseuse et la voix qui sortait d’enceintes placées sur scène.
Nous avons revécu une histoire personnelle sur la musique J. S. Bach.
Il y avait une regard, une inspiration, une présence, des voix, une table avec un carré posé sur elle et un bâton en bois.

Fugen
Vendredi 27 Novembre, à l’Espace Pier Paolo Pasolini
Imad

Cette pièce est une réflexion et une danse, sur la visibilité et le mouvement. Elle est aussi une pièce sur la musique, sur la nécessité de l’entrainement et sur la discipline.

Schad va impliquer dans sa performance des notes biographiques, expliquant son parcours, des souvenirs d’enfance, comment elle se sentait en dansant, et en écoutant Jean Sebastien Bach. Elle nous explique comment son plaisir de danser se transforma plus tard, pour se concentrer sur le corps, non pas comme outil d’expression, mais comme un vaisseau d’énergie. Schad va nous inviter durant sa performance à contempler avec elle, des techniques et des mouvements, dans leurs capacités à contenir, manipuler et maitriser l’énergie. Ses mains qui bougent comme si elles conduisent l’énergie. Le corps qui l’emmagasine puis la relâche, l’invite, la transmet, la recueille, puis la diffuse. C’est sans doute la préoccupation d’un long héritage, celui des arts martiaux orientaux. Notamment l’Aïkido (ou le Shiatsu) qui est un art martial basé sur l’idée de pouvoir se défendre contre son adversaire sans lui causer du mal. De pouvoir anéantir l’énergie de l’agresseur, l’absorber, la dévier, la diffuser, en même temps protéger l’ennemie. L’Aïkido fut conçu comme un art de défense, et moralement refuse complètement l’agression. C’est l’art d’éviter la brutalité. C’est alors une sorte de sagesse, d’une connaissance de l’énergie du monde. Comment se comporter face à une agression extérieure et absorber son énergie pour la détourner vers l’extérieur.

Schad essaie de méditer sur la relation entre la musique et son incarnation, examinant le corps, son énergie, sa matérialité, son processus, et son temps.

Bereits der Programmtext des Dramaturgen Saša Božić kündigt eine Fusion aus verschiedensten Vortrags- und Darbietungstechniken an, angesiedelt zwischen autobiografischen Einblicken und musiktheoretischer Reflexion über die Kompositionsprinzipien einer barocken Fuge. Eine ambitionierte Polyphonie von Musik und Bewegung, Form und Inhalt, Innen und Außen, Verstehen und Sehen und schließlich dem auf der Bühne unweigerlich entstehenden Paradox zwischen der Person Isabelle Schad und der Darstellerin Isabelle Schad. Über allem zeigt sich die Einsicht in die stetige Konstruktion von Welt, des Ichs, mittels unumgehbarer Systeme, Disziplin und Codes, innerhalb derer im Grunde alles zur Darstellung wird. „Fugen“ ist eine komplexe Arbeit, die sowohl die Choreografin Isabelle Schad auf bisher ungesehene Art und Weise herausfordert als auch ihr Publikum. Dieses wird an die Grenzen seiner Auffassungsgabe geführt. Zugleich schafft das Stück jedoch die Möglichkeit über jene Grenzen hinwegzugehen, in der sich zeitweilig einstellenden Einheit von Sehen und Hören, von Intellekt und Ästhetik.

In blauer Bluse und beiger Hose betritt Isabelle Schad die Bühne. Die Haare exakt zurückgebunden. Ein überraschender Anblick, überschritten in vergangenen Soloproduktionen doch übergroße Kostüme und schließlich der nackte Körper, verlängert durch meterlange Stoffbahnen, die Grenzen von Körper und Umgebung. In „Fugen“ dagegen changiert Isabelle Schad zwischen der Rolle der Vortragenden, der Darstellerin und ihrer selbst. Ihre Arme beginnen um den Körper zu schwingen, dieser dreht sich kontinuierlich, in seiner Dynamik an- und abschwellend. Fast scheint es als vollziehen ihre Bewegungen Phrasen, beschreiben einen Beginn, eine Maxime und schließlich ein Ende. Ein leises Summen begleitet ihre Drehungen, die zeitweilig den gesamten Bühnenraum umfassen. Im Zentrum des hinteren Bühnenendes kommt sie allmählich zum Stehen, ihr Körper schwingt noch eine Weile nach. Jener Moment schafft in der eigenen Aufmerksamkeit eine unsagbare Sogwirkung erfüllt von Präsenz. Spätestens mit dem anschließenden Verweis von Isabelle Schad gerade ihre eigene Produktion „Ohne Worte“ von 2009 zitiert zu haben, schichtet sich die Erfahrung einer vergangenen Präsenz darüber.

Einen Kontrapunkt ganz anderer Art setzt die Szene, in der die Choreografin einen Bambusstab kontinuierlich um das rechte und dann wieder das linke Handgelenk schwingt, den Rhythmus der erklingenden „Matthäuspassion“ von Johann Sebastian Bach verfolgend. Exaktheit und Zählen treffen hier auf das freie Spiel des Bambusstabs. Weit zurückliegende Kindheitserinnerungen und die Lust sich zur Musik zu bewegen vermengen sich mit Isabelle Schads heutigem Körper, der durch klassisches Ballett, zeitgenössischen Tanz, Techniken des Body-Mind Centering sowie ostasiatischer Körperpraxen wie Aikido und Shiatsu geprägt ist. Schnell erschöpften sich für sie die Bilder des klassischen Balletts und es folgte die Verweigerung der Auswahl nach Größe und Körper, der Hierarchie eines Ballettensembles und der vielbeschworenen Schönheit der Linie. Beschrieben werden kann ihr Weg, dessen Spuren „Fugen“ nachverfolgt, als die kontinuierliche Suche nach anderen Arbeitspraktiken, horizontal organisierten Kollaborationen und Körpertechniken, die das Material des Körpers, seine Knochen, sein Fleisch, seine Organe und auf mikroskopischer Ebene seine Zellen ins Zentrum rücken und schließlich zur Suche nach individueller Kollektivität auf der Bühne führen. Ein polyphoner Weg, der in „Fugen“ erstmals derart sichtbar, die Arbeit, die Übung, das Training einer solchen Suche auf die Bühne bringt und immer wieder zum Anfang zurückkehrt: Johann Sebastian Bach und die Lust aus Kindertagen sich zur Musik zu bewegen. Die Erfordernisse dieses kontinuierlichen Trainings machen jene Momente berührend erfahrbar, in denen sie die Exaktheit zur Bewegung zu sprechen, zur Musik sich zu bewegen für einen Moment verfehlt und das Zählen bzw. die Wiederholung die Illusion des Theaters an die Oberfläche bringt.

„Fugen“ stellt eine von Isabelle Schads persönlichsten Arbeiten dar, die zugleich auch die Zweifel der Choreografin auf die Bühne bringt: Wie lange wird sie wohl das Bedürfnis haben zu produzieren, um im und mit dem Theater eins werden zu wollen? Muss ihre Suche nach einer anderen, individuellen Form der Kollektivität wohl eine Utopie bleiben? Jene Fragen schwingen nach, am Ende, im Dunkel des Theaterraums, zum Klang des durch die Luft geführten Bambusstabs.

Veröffentlicht am 31.10.2015, von Maria Katharina Schmidt

Fugen
Vendredi 27 Novembre

Isabelle Schad est une artiste qui m’a touché par sa sincérité et son naturel. Je me rappelle distinctement là façon dont elle nous a regardé nous spectateur, un par un, d’une façon très… humaine. D’habitude, les danseurs suivent une ligne de conduite qui leur enlève cette humanité.
C’était comme si elle nous regardait pour se préparer. Je pense qu’elle a besoin d’identifier son public avant de jouer pour lui. Elle n’eut de pudeur ni dans le regard, ni dans ses paroles. La chorégraphe nous dévoila des fragments de son existence qui l’avaient amenée jusqu’ici, devant nous.
Mais elle commença par exécuter une dance très dynamique et tourbillonnante. Son corps devenait incroyablement performant et précis, ses bras pénétraient l’air avec vitesse pendant qu’elle se déplaçait sur toute la surface de la scène.
J’ai trouvé très intéressant son rapport aux arts martiaux et la façon dont ils l’influençaient dans ses mouvements. J’ai particulièrement apprécié son aisance lorsqu’elle manipulait un bâton en bois grand d’environ deux mètres. Elle le faisait tourner très rapidement avec un geste qui évoluait pendant qu’elle nous parlait de son rôle de révélateur, d’amplificateur du mouvement.
En effet, son spectacle mêlait le geste à la théorie. Parfois elle parlait en dansant, parfois elle lisait et parfois ses pas étaient guidés par une conversation retransmise.
Celle qui parlait de la fugue m’a beaucoup plu.
La fugue est une construction musicale qui joue sur la répétition et la variation du sujet répété.
Ce qui m’a frappé c’est le fait que ce principe se retrouve dans l’art à travers certaines séries d’œuvres. Un exemple très récent et local, sont les séries de Claire Colin-Collin qui expose à partir de Janvier à l’H du siège de Valenciennes. Dans une conférence qui a eu lieu à l’ESAD, elle nous parlait de son processus de travail qui consiste à répéter un geste, le décliner et parfois exploiter l’accident.

La représentation d’Isabelle Schad était en bref très enrichissante, elle m’a donné envie d’en apprendre plus sur le système et la construction de la fugue. Peut être que pour un public qui n’est pas initié à l’art, ce spectacle aurait pu être difficile à comprendre. Mais la beauté de sa chorégraphie ne nécessite pas de réflexion approfondie pour être appréciée.
Rémi Mahieux

With the fugue as a metaphor
Isabelle Schad examines the fugues’ spirit in her work.

There has not been a week since the premiere in Berlin when Isabelle Schad is part of our annual festival with her solo Fugen. As part of a carefully thought out concept Schad moves between the genres of performance, lecture, and dance. Her own development as a dancer, coming from the classical and contemporary dance and the new perspective which integrates cognitive and bodily approach within the Body-Mind Centering, further to the depths of Asian forms such as Aikido and Shiatsu, runs like a thread through the performance. The resonance and the collective embodied insights, provide both depth and value, offering reflection on a level of very precise and detailed body expression.
There is a podium on stage with a printed lecture, a screen that could be used for projection, some speakers and a stick. Isabelle Schad comes in, measures the audience with her eyes and begins with a circling dance that goes towards more sweeping shapes. When she finishes, she says that it was an excerpt from a previous performance, Ohne Worte from 2009.
With her childhood emotional experiences of dance and new insights of dance discipline in ballet as a springboard, Schad enters the theme -the fugue as a metaphor for the dancing body and her dance which is what the title indicates. Supported by a pre-recorded conversation with a musicologist who sorts out different aspects, the materiality and nature of the fugue, she starts to develop the theme further in her physical preparation with and without the stick, with or without speech, always with an impressive control of energy and entity.
The thought behind the concept appears as crystal clear, reasoned and insightful as the physical expression. One follows the performance with unbroken and growing interest – the reasoning behind then and now, the materiality and fixed-term nature of the conceptual as well as the physical dimension.
Hufvudstadsbladet, Jan-Peter Kaiku 5/11/2015

Mit der Fuge als Metapher
Isabelle Schad untersucht den Geist der Fugen in ihrer Arbeit

Noch nicht einmal eine Woche seit der Premiere in Berlin ist es her, daß Isabelle Schad ihr neues Solo Fugen in unserem jährlichen Festival in Helsinki zeigt. Als Teil eines klug durchdachten Konzepts, bewegt sich Schad zwischen den Genres, zwischen Performance, Lecture und Tanz. Ihre eigene Entwicklung als Tänzerin, die sich vom klassischen zum zeitgenössischen Tanz erstreckt, und die neuen Perspektiven, welche geistige und körperliche Ebenen zusammenbringen innerhalb von Body-Mind Centering, bis hin zu den tiefen Erkenntnissen asiatischer Formen wie Aikido oder Shiatsu, ziehen sich wie ein roter Faden durch die Performance. Die Resonanz und verkörperten Einsichten bieten sowohl Tiefe als auch Wert(volles): Reflexion auf einem sehr hohen Niveau von Präzision und detaillierten Körperausdruck.
Auf der Bühne gibt es eine Art Podium mit ausgedruckter Lecture, eine Leinwand, die für Projektionen genutzt werden könnte, einige Lautsprecher und ein Stock. Isabelle Schad kommt herein, mißt das Publikum mit ihren Augen aus und beginnt mit einem kreisenden Tanz, der zunehmend zu peitschenden Formen übergeht. Wenn sie damit fertig ist, sagt sie, daß dies ein Auszug aus einer älteren Performance ’Ohne Worte’ aus 2009 war.
Mit ihren emotionalen Erfahrungen in Tanz aus ihrer Kindheit und neueren Erkenntnissen über das Verhältnis von Tanz und Disziplin im Ballett als Ausgangspunkt, beginnt Schad mit dem Thema: Die Fuge als Metapher für den tanzenden Körper und für ihren Tanz, wie es der Titel suggeriert. Unterstützt durch ein aufgenommenes Gespräch mit einem Musikologen, der verschiedene Aspekte, Materialitäten und die Natur der Fuge beleuchtet, führt sie das Thema weiter in ihrer physischen Verarbeitung, mit oder ohne Stock, mit oder ohne Text, jedoch immer mit einer beeindruckenden Kontrolle über Energie, Körperlichkeit und Präsenz.
Der Gedanke hinter dem Konzept erscheint so kristallklar, klug und aufschlussreich wie der physische Ausdruck.
Man folgt der Performance mit wachsendem Interesse – dem dahinterstehenden Nachdenken, dem Hier und Dort, der Materialität, sowie der kurzweiligen Natur der konzeptuellen wie der physischen Dimension.
Hufvudstadsbladet, Jan-Peter Kaiku 5/11/2015